Desde la Casa Roja asimétrica en forma de L de 1859 que marcó el comienzo del movimiento Arts and Crafts y marcó el comienzo de un compromiso con la estética simple en gran medida carente de ornamentos hasta el lanzamiento del iPhone en 2007 con tecnologías innovadoras y un enfoque en la facilidad de la experiencia del usuario con una estética simplificada y un diseño intuitivo, la historia moderna está salpicada de momentos que dieron forma a nuestras experiencias vividas y crearon los artículos que encontramos todos los días, mostrando el diseño como un organismo vivo en constante evolución que transforma la forma en que nos movemos por el mundo, influenciado por las culturas que lo producen y al mismo tiempo moldea las sociedades que lo abrazan con nuevas formas de percibirnos a nosotros mismos y nuestra relación con los entornos en los que vivimos. Desde conferencias y escritos famosos hasta exposiciones y presentaciones de productos que cambian la vida, recordamos los momentos de los últimos 150 años de diseño y destacamos los más conocidos e impactantes, cuya culminación habla de lo que hace que el buen diseño sea grandioso, con una utilidad incomparable, una estética armoniosa y una reflexión introspectiva de cómo vivimos unos con otros en espacios bien considerados.
"No tengas nada en casa que no sepas que es útil o que creas que es bello", comentó William Morris, figura central del Movimiento de Artes y Oficios, cuya fe en la capacidad del arte para transformar la sociedad influyó en los movimientos de diseño de finales del siglo XIX y principios del XX . Un momento que culminó la filosofía de este movimiento, al tiempo que proyectaba el futuro papel del diseño en una sociedad equilibrada, fue la formación de los Cuatro de Glasgow, cuyo estilo único de trabajo adaptó parte del rigor geométrico de Frank Lloyd Wright y sus Casas de la Escuela de la Pradera con elementos de las formas fluidas que posteriormente se convertirían en Art Nouveau. Tras conocerse en la Escuela de Arte de Glasgow a mediados de la década de 1890, la leyenda del diseño Charles Rennie Mackintosh, James Herbert MacNair y las hermanas Margaret y Frances Macdonald, con su alianza creativa, produjeron diseños innovadores y, en ocasiones, controvertidos que contribuyeron al "Estilo Glasgow" y abrieron paso a un futuro donde los diseños pueden ser estilizados y equilibrados en geometría y proporción. En 1910, cuando Adolf Loos impartió una conferencia basada en su ensayo de 1908, Ornamentación y Crimen, sugirió que la evolución de la cultura es sinónimo de la eliminación del ornamento de los objetos utilitarios. Esta propuesta tuvo un efecto dominó en movimientos posteriores, incluyendo el de De Stijl, cuyo manifiesto de 1918 definió el buen diseño como un alejamiento del individuo hacia leyes universales de equilibrio y armonía en el arte, ilustrado por el uso de geometrías simples y colores vivos; y el de la Bauhaus, cuya primera exposición en 1923 dio la bienvenida a las nuevas tecnologías para muchos clásicos del diseño, como la lámpara Bauhaus, que dejaron huella en el mundo por su sofisticación, simplicidad, utilidad y unidad pionera entre arte y diseño. Fue entonces cuando el fundador de la Bauhaus, Walter Gropius, impartió su famosa conferencia "Arte y tecnología: una nueva unidad".
Los años siguientes marcaron el nacimiento de una estética modernista, y en 1927 Charlotte Perriand abandonó los diseños decorativos, predominantemente de madera, de la época por una habitación de aluminio, cromo y cristal, originalmente construida en la planta alta de su apartamento. Esta pieza revolucionaria, llamada Le bar sous le toit (El bar bajo el tejado), fue vista por Le Corbusier y lo convenció de acoger a Perriand en su equipo. El resultado fue una serie de diseños de muebles de vanguardia, influenciados por ella, que incluían el acero tubular y las formas limpias del modernismo temprano. Mientras Le Corbusier entendía el hogar como una máquina para vivir, los objetos cotidianos que adornan nuestros hogares se ganaron el reconocimiento por su capacidad de gobernar nuestras vidas con facilidad y belleza, y para 1936, estos objetos fueron acogidos en la Exposición de Cosas Cotidianas, organizada por el Real Instituto de Arquitectos Británicos, elevando la vida cotidiana a un entorno digno de examen y celebración. Estas ideas comenzaron a tomar forma en Estados Unidos poco después, cuando una oleada de modernistas europeos emigró a Estados Unidos para escapar de la Alemania nazi. En 1938, Mies van der Rohe emigra y se convierte en director del Armour Institute en Chicago, posteriormente renombrado como el Illinois Institute of Technology, donde dio forma a un plan de estudios que influyó en una generación de arquitectos estadounidenses y salpicó los horizontes de las ciudades estadounidenses con elegantes torres de oficinas y apartamentos con piel de vidrio. En 1940, el MoMA de Nueva York celebró un concurso sobre Diseño Orgánico en Muebles para el Hogar, una estética popularizada por los diseños escandinavos de Arne Jacobsen y Hans Wegner, y este concurso presentó por primera vez al mundo el trabajo de Eero Saarinen y Charles y Ray Eames . El diseño orgánico seguiría siendo de interés en las décadas de 1940 y 1950, cuando la tecnología de la posguerra hizo que nuevos materiales como el aluminio, el acero, la madera aglomerada, la fibra de vidrio y los plásticos fueran más fácilmente disponibles, lo que permitió a los diseñadores experimentar con nuevas formas que siguen siendo populares hoy en día, como con las sillas de comedor de fibra de vidrio moldeada de los Eames y la Eames Lounge Chair para Herman Miller.
A mediados de los años 50 y principios de los 60, el mundo comenzó a considerar los diseños de productos como igualmente dignos de respeto y consideración por su papel en ayudar a las personas a adaptarse a la modernidad y existir en el reino de los sueños, deseos, necesidades y hábitos de vida. Cuando Dieter Rams se unió a Braun en 1955, su filosofía de "menos, pero mejor" resultó en la conversión de Braun en una marca reconocida con productos como el radiograma SK 4 y la serie D de alta calidad, cuya estética austera pero a la vez serena permitía que los electrodomésticos se integraran a la perfección con su entorno. Esta armoniosa relación entre forma y función se extendió a la arquitectura, donde Frank Lloyd Wright diseñó el Museo Guggenheim, inaugurado en 1959, como testimonio de su creencia de que forma y función debían ser una sola, unidas en una unión espiritual. Por la misma época, Oscar Niemeyer trabajaba con ingenieros, urbanistas y otros arquitectos para diseñar la nueva capital brasileña, Brasilia. Sus edificios gubernamentales, finalizados en 1960, exploraron la estética del hormigón armado e incluyeron edificios que parecían flotar sobre el suelo, sostenidos por columnas, permitiendo que la naturaleza floreciera bajo ellos. Esta fue la primera gran ciudad construida íntegramente sobre la base de los principios modernistas de funcionalidad y estética. Con el deseo de hacer que la vivienda fuera más económicamente accesible para un mayor número de personas, más cómoda y eficiente, y aplicando los conocimientos tecnológicos modernos a la construcción arquitectónica, Buckminster Fuller llevó el modernismo a una conclusión estructuralmente interesante con su Cúpula Geodésica, presentando la primera obra maestra a gran escala en el Pabellón de Estados Unidos en la Feria Mundial de Montreal de 1967. Este proyecto destacó el impacto del diseño energéticamente eficiente al reducir la superficie y, por lo tanto, permitir el uso de menos materiales, crear un flujo de aire natural y evitar la pérdida de calor radiante para una regulación óptima de la temperatura, uniendo forma y función de maneras radicales y fascinantes.
El diseño gráfico también vio muchos desarrollos en el buen diseño como comunicación efectiva, haciendo que nuestra experiencia con el mundo que nos rodea sea más placentera, eficiente y fácil de entender. Un momento que se destaca en la historia del diseño moderno es la presentación del Mapa del Metro de Nueva York de Massimo Vignelli en 1972, cuyo valor en la lógica sobre la estética ayudó a las personas a navegar por un sistema complicado y sigue siendo hoy efectivo en claridad y agradable a la vista. Ese mismo año, la exposición Italia: El Nuevo Paisaje Doméstico se inauguró en el MoMA y celebró un minimalismo elegante propugnado por personas como Mario Bellini y Achille Castiglioni , ilustrando un enfoque de contradiseño donde menos es más y donde la belleza de los objetos cotidianos se puede encontrar en su simplicidad bien elaborada. Esto marcó una tendencia a adoptar obras posteriores en la década, como la Glass Chair de Shiro Kuramata en 1976 y la Chair 77 del diseñador minimalista Bruno Ninaber van Eyben en 1977. Sin embargo, mientras que por un lado, la pureza de forma y el minimalismo limpio de estos diseñadores ganaron popularidad en la línea de las tradiciones modernistas, otros diseñadores optaron por desafiar las convenciones con objetos de colores brillantes, formas extrañas y, en general, extravagantes, como los del Grupo Memphis, fundado en 1981 por Ettore Sottsass. Esto dio paso a una adopción posmodernista de obras como la silla Wink de Toshiyuki Kita o la Green Street Chair de Gaetano Pesce.
A medida que la década de 1980 presenció un auge de colores vivos y formas inusuales, surgió un movimiento para mantener un enfoque disciplinado y monocromático en los interiores, como lo demostraron los interiores de Andrée Putman para el Hotel Morgans en 1984, lo que marcó el comienzo de la era de los hoteles boutique. Asimismo, existía el deseo de elevar el diseño emotivo e intuitivo, como expresó Paul Rand en su Simposio de 1988 en la Escuela de Artes Visuales, donde detalló que el diseño lo es todo, que diseñar es «mucho más que simplemente ensamblar, ordenar o incluso editar: es añadir valor y significado, iluminar, simplificar, aclarar, modificar, dignificar, dramatizar, persuadir y quizás incluso divertir». Ese mismo año, Jasper Morrison curó una selección de objetos cotidianos simples pero hermosos en su primera Super Normal Exhibition Some New Items for the Home, Part 1 en Berlín, un precursor de la famosa exposición de 2006 coordinada con el reconocido diseñador Naoto Fukasawa que resalta el diseño de objetos que se vuelven trascendentes cuando se reducen a lo esencial, intuitivos en su uso y resonantes en emocionalidad.
Para 1992, la ergonomía y el diseño para la era digital se convirtieron en una prioridad para fabricantes como Humanscale y Steelcase, y fue en ese momento cuando se presentó la silla Aeron de Herman Miller, redefiniendo la sillería de trabajo en el diseño de espacios de trabajo. Con el siglo XX dando paso al siglo XXI , los horizontes de todo el mundo se impregnaron de las formas fluidas de Zaha Hadid , cuyas notables contribuciones a la arquitectura y el diseño le valieron el honor de ser la primera mujer en recibir el Premio Pritzker en 2004. Para Hadid, la arquitectura debía "emocionarte, tranquilizarte, hacerte reflexionar". Para otros, la arquitectura y el diseño también deben ser socialmente responsables y ambientalmente sostenibles, un interés que ha marcado la era actual con un espíritu verde, como se expone en la publicación de Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things de 2002 y en la charla TED de Norman Foster de 2011, donde afirma que el impacto ambiental debe considerarse en los diseños actuales, en respuesta al clima y la cultura específicos de un lugar en particular. En resumen, estos momentos que nos trajeron lo mejor del diseño moderno y contemporáneo del último siglo y medio han definido lo que significa vivir con buen diseño, enriqueciendo nuestras vidas con utilidad y belleza, y como señaló Norman Foster, diseñar para el presente, con conciencia del pasado y un futuro que es esencialmente desconocido.
April 2024
