Dalla Red House asimmetrica a forma di L del 1859 che diede inizio al movimento Arts and Crafts e inaugurò un impegno per un'estetica semplice e in gran parte priva di ornamenti, al lancio dell'iPhone nel 2007 con tecnologie all'avanguardia e un'attenzione alla facilità d'uso con un'estetica snella e un design intuitivo, la storia moderna è costellata di momenti che hanno plasmato le nostre esperienze vissute e creato gli oggetti che incontriamo ogni giorno, mostrando il design come un organismo vivente in continua evoluzione che trasforma il nostro modo di muoverci nel mondo, influenzato dalle culture che lo producono e al tempo stesso modellando le società che lo accolgono con nuovi modi di percepire noi stessi e il nostro rapporto con gli ambienti in cui viviamo. Da conferenze e scritti famosi a mostre e all'inaugurazione di prodotti che cambiano la vita, ripercorriamo i momenti degli ultimi 150 anni di design e mettiamo in evidenza i più noti e i più influenti, la cui culminazione parla di ciò che rende un buon design eccezionale, con un'utilità impareggiabile, un'estetica armoniosa e una riflessione introspettiva su come viviamo gli uni con gli altri in spazi ben studiati.
"Non avere nella tua casa nulla che tu non sappia essere utile o che tu non creda essere bello", osservò una volta William Morris, figura centrale del movimento Arts and Crafts la cui fede nella capacità dell'arte di rimodellare la società influenzò i movimenti di design per tutto il tardo XIX e il XX secolo. Un momento che incoronò l'etica di questo movimento, guardando al futuro ruolo del design in una società equilibrata, fu la formazione dei Glasgow Four, il cui stile di lavoro unico adattò parte del rigore geometrico di Frank Lloyd Wright e delle sue Prairie School Houses con elementi delle forme fluide che in seguito divennero Art Nouveau. Incontratisi alla Glasgow School of Art a metà degli anni Novanta dell'Ottocento, la leggenda del design Charles Rennie Mackintosh, James Herbert MacNair e le sorelle Margaret e Frances Macdonald con la loro alleanza creativa produssero progetti innovativi e a volte controversi che contribuirono allo "Stile Glasgow" e aprirono la strada a un futuro in cui i progetti possono essere snelli e ben equilibrati in geometria e proporzione. Nel 1910, quando Adolf Loos tenne una conferenza basata sul suo saggio del 1908 Ornamentazione e crimine, suggerì che l'evoluzione della cultura è sinonimo della rimozione dell'ornamento dagli oggetti utilitari, una proposta che creò un effetto domino sui movimenti futuri, compreso quello del De Stijl, il cui manifesto del 1918 definiva il buon design come un allontanamento dall'individuo verso leggi universali di equilibrio e armonia nell'arte, illustrato da un uso di geometrie semplici e colori vivaci, quello del Bauhaus, la cui prima mostra nel 1923 accolse nuove tecnologie per molti classici del design, come la lampada Bauhaus, lasciando il segno nel mondo per la loro sofisticazione di semplicità, utilità e unità pionieristica di arte e design. Fu allora che il fondatore del Bauhaus, Walter Gropius, tenne la sua famosa conferenza su Arte e Tecnologia: Una Nuova Unità.
Gli anni che seguirono inaugurarono la nascita di un'estetica modernista, e nel 1927 Charlotte Perriand mise da parte i design decorativi, prevalentemente in legno, dell'epoca per una stanza in alluminio, cromo e vetro originariamente costruita all'ultimo piano del suo appartamento. Questo pezzo rivoluzionario chiamato Le bar sous le toit (Il bar sotto il tetto) fu visto da Le Corbusier e lo convinse ad accogliere Perriand nel suo team, dando vita a una serie di progetti di mobili all'avanguardia realizzati con la sua influenza che coinvolgevano l'acciaio tubolare e le forme pulite del primo modernismo. Poiché Le Corbusier considerava la casa una macchina per vivere, gli oggetti di uso quotidiano che abbelliscono le nostre case si guadagnarono stima per la loro capacità di governare le nostre vite con facilità e bellezza, e nel 1936 tali oggetti furono accolti nell'Esposizione delle Cose Quotidiane, ospitata dal Royal Institute of British Architects, elevando la vita quotidiana a un ambiente degno di esame e celebrazione. Queste idee iniziarono a prendere forma negli Stati Uniti non molto tempo dopo, quando un'ondata di modernisti europei emigrò negli Stati Uniti per sfuggire alla Germania nazista. Nel 1938, Mies van der Rohe emigrò e divenne direttore dell'Armour Institute di Chicago, in seguito ribattezzato Illinois Institute of Technology, dove plasmò un curriculum che influenzò una generazione di architetti americani e costellò gli skyline delle città americane con eleganti grattacieli e condomini con facciate in vetro. Nel 1940, il MoMA di New York tenne un concorso sul design organico nell'arredamento per la casa, un'estetica resa popolare dai design scandinavi di Arne Jacobsen e Hans Wegner, e questo concorso introdusse per la prima volta al mondo il lavoro di Eero Saarinen e Charles e Ray Eames. Il design organico sarebbe rimasto di interesse negli anni '40 e '50, quando la tecnologia postbellica rese più facilmente disponibili nuovi materiali come alluminio, acciaio, legno laminato, fibra di vetro e plastica, consentendo ai designer di sperimentare nuove forme che rimangono popolari oggi, come le sedie da pranzo in fibra di vetro stampata degli Eames e la Eames Lounge Chair per Herman Miller.
A metà degli anni '50 e all'inizio degli anni '60, il mondo iniziò a considerare i progetti di prodotti ugualmente degni di rispetto e considerazione per il loro ruolo nell'aiutare le persone ad adattarsi alla modernità ed esistere nel regno dei sogni, dei desideri, dei bisogni e delle abitudini di vita. Quando Dieter Rams si unì a Braun nel 1955, la sua filosofia del "meno, ma meglio" fece di Braun un nome familiare con prodotti come il radiogrammo SK 4 e la serie D di alta qualità, la cui estetica austera ma tranquilla permetteva agli elettrodomestici di fondersi perfettamente con il loro ambiente. Questa relazione armoniosa tra forma e funzione si estese all'architettura, dove Frank Lloyd Wright progettò il Museo Guggenheim, inaugurato nel 1959, come testamento della sua convinzione che forma e funzione dovrebbero essere una cosa sola, unite in un'unione spirituale. Nello stesso periodo, Oscar Niemeyer lavorava con ingegneri, urbanisti e altri architetti per progettare la nuova capitale brasiliana di Brasilia. I suoi edifici governativi, completati nel 1960, esplorarono l'estetica del cemento armato e includevano edifici che sembravano fluttuare sopra il terreno, sostenuti da colonne e permettendo alla natura di prosperare sotto. Questa fu la prima grande città costruita interamente sulla base dei principi modernisti di funzionalità ed estetica. Con il desiderio di rendere l'abitazione più economicamente accessibile a un gran numero di persone, più confortevole ed efficiente, e applicando il moderno know-how tecnologico alla costruzione architettonica, Buckminster Fuller portò il modernismo a una conclusione strutturalmente interessante con la sua Cupola Geodetica, svelando il primo capolavoro su larga scala nel Padiglione degli Stati Uniti alla Fiera Mondiale di Montreal del 1967, evidenziando l'impatto del design efficiente dal punto di vista energetico diminuendo la superficie e quindi consentendo meno materiali, creando un flusso d'aria naturale e prevenendo la perdita di calore radiante per una regolazione ottimale della temperatura, unendo forma e funzione in modi radicali e affascinanti.
Anche il design grafico vide molti sviluppi nel buon design come comunicazione efficace, rendendo la nostra esperienza con il mondo che ci circonda più piacevole, efficiente e facilmente comprensibile. Un momento che spicca nella storia del design moderno è la presentazione della mappa della metropolitana di New York di Massimo Vignelli nel 1972, il cui valore logico rispetto all'estetica ha aiutato le persone a orientarsi in un sistema complicato e rimane ancora oggi efficace nella chiarezza e gradevole alla vista. Nello stesso anno, la mostra Italia: The New Domestic Landscape aprì al MoMA e celebrò un minimalismo elegante sposato da artisti del calibro di Mario Bellini e Achille Castiglioni, illustrando un approccio contro-design dove meno è più e dove la bellezza degli oggetti quotidiani si trova nella loro semplicità ben realizzata. Ciò segnò una tendenza ad abbracciare opere più avanti nel decennio come la Glass Chair di Shiro Kuramata nel 1976 e la Chair 77 del designer minimalista Bruno Ninaber van Eyben nel 1977. Eppure, mentre da un lato la purezza della forma e il minimalismo pulito di questi designer guadagnarono popolarità nella vena delle tradizioni moderniste, altri designer scelsero di sfidare le convenzioni con oggetti dai colori vivaci, dalle forme strane e generalmente stravaganti come quelli del Memphis Group, fondato nel 1981 da Ettore Sottsass. Questo diede il via a un'accettazione postmoderna di opere come la sedia Wink di Toshiyuki Kita o la Green Street Chair di Gaetano Pesce.
Mentre gli anni '80 videro effettivamente un'ascesa di colori vivaci e forme insolite, ci fu un movimento per mantenere un approccio disciplinato e monocromatico agli interni, come dimostrato dagli interni di Andrée Putman per il Morgans Hotel nel 1984, inaugurando l'inizio dell'era degli hotel boutique. C'era anche il desiderio di elevare il design che fosse emotivo e intuitivo, come espresso da Paul Rand al suo Simposio del 1988 presso la School of the Visual Arts, dove dettagliò che il design è, di fatto, tutto, che progettare è "molto più che semplicemente assemblare, ordinare o persino modificare: è aggiungere valore e significato, illuminare, semplificare, chiarire, modificare, nobilitare, drammatizzare, persuadere e forse persino divertire". Nello stesso anno Jasper Morrison curò una selezione di oggetti quotidiani semplici ma belli nella sua prima mostra Super Normal Alcuni nuovi articoli per la casa, Parte 1 a Berlino, un precursore della famosa mostra del 2006 coordinata con il rinomato designer Naoto Fukasawa che evidenzia il design di oggetti che diventano trascendenti quando ridotti all'essenziale, intuitivi nell'uso e risonanti nell'emotività.
Entro il 1992, l'ergonomia e il design per l'era digitale divennero un focus maggiore per produttori come Humanscale e Steelcase, e fu in questo periodo che fu presentata la sedia Aeron di Herman Miller, ridefinendo le sedute da lavoro nel design degli uffici. Mentre il XX secolo lasciava il posto al XXI secolo, gli skyline di tutto il mondo si arricchirono delle forme fluide di Zaha Hadid, i cui notevoli contributi all'architettura e al design le valsero l'onore di essere la prima donna in assoluto a ricevere il Premio Pritzker nel 2004. Per Hadid, l'architettura doveva "eccitare, calmare, far riflettere". Per altri, architettura e design dovrebbero allo stesso modo rimanere socialmente responsabili e ambientalmente sostenibili, un interesse che ha segnato l'era attuale con un zeitgeist verde, come esposto nella pubblicazione di Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things del 2002 e nel TED Talk di Norman Foster del 2011, dove afferma che l'impatto ambientale dovrebbe essere considerato nei progetti realizzati oggi, in risposta al clima e alla cultura specifici di un particolare luogo. In tutto, questi momenti che ci hanno portato il meglio del design moderno e contemporaneo dell'ultimo secolo e mezzo hanno definito cosa significa vivere con un buon design, arricchendo le nostre vite con utilità e bellezza, e come ha osservato Norman Foster, progettando per il presente, con una consapevolezza del passato e un futuro essenzialmente sconosciuto.
April 2024
